Anastasia Y. Nati

Anastasia Yanchuk, in arte Nati, è un’artista di origini ucraino-russe. Ha imparato fin da piccola ad amare la pittura disegnando, dipingendo e sperimentando.  A sedici anni frequenta alcuni corsi di disegno e pittura presso la Russian State University for the Humanities RGGU.

Successivamente si laurea in design e arredamento d’interni presso l’International Academy of Business and Management di Mosca. Prendendo una pausa dalle sue tele, si dedica alla sua carriera  che la porta a viaggiare.

Uno dei viaggi le fa scoprire l’Italia e la sua lingua, è proprio qui che decide di trasferirsi e dove ancora oggi vive.

Trae ispirazione per le sue opere figurative da musica, viaggi, tradizioni e culture differenti. Rappresenta la femminilità focalizzando l’attenzione sulle particolarità, ma anche sulle imperfezioni, per enfatizzare un aspetto unico della bellezza di ogni donna. Il suo obiettivo è creare opere d’arte che influenzino, ispirino e motivino le donne, le incoraggino ad essere più forti e avere più fiducia in sé stesse.

African Beauty

2019

60 x 60 cm

Acrilico su tela, foglia d’oro, cristallo Swarovski e piombo a rilievo

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Maiko

2019

60 x 60 cm

Acrilico su tela, foglia d’oro, e piombo a rilievo

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Anima del Deserto

2019

60 x 60 cm

Acrilico su tela, foglia d’oro, cristallo Swarovski e piombo a rilievo

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KISS

2020

70,5 x 70,5 cm

Acrilico su tela, foglia d’oro e resina

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Anne Marie Torrisi

Anne Marie Torrisi lancia dalle sue tele un messaggio di libertà creativa e gioia che difficilmente lo spettatore non può accogliere.

Non si può restare impassibili di fronte all’esplosione di colore e alla carica emotiva di un’opera come la sua ricca di vibrazioni positive che fanno bene all’occhio e al cuore.

Le sue opere sono dominate da una pura libertà di espressione grazie alla quale Anne Marie Torrisi riesce a dare vita a un mondo onirico e fantastico.

La forza creativa di Anne Marie Torrisi è un torrente in piena di emozioni e creatività. La sua è una pittura istintiva che si apre a soluzioni di creatività mai esaurite, in cui linea e colore si fondono in quello che allo spettatore appare come un inno gioioso alla vita fatto di emozioni, stimolo per la vista e scossa creativa all’animo.

Anne Marie, di fronte alle tele dimostra una spontaneità straordinaria, una capacità di ricreare un universo fantastico che solo chi è interiormente e totalmente votato all’arte è in grado di fare emergere con tale efficacia.

Essere spontanei significa essere sé stessi, riuscire a trasmettere i nostri sentimenti, le emozioni, le motivazioni, senza indossare alcuna maschera, ma facendo risplendere la parte più bella che è in noi: Anne Marie riesce a fermare questa libertà su tela e regalarci, attraverso le sue forme, momenti di spontaneità pura. E attraverso queste forme e questi colori immortalati sulla tela l’artista ci spinge a cercare la stessa bellezza in noi, perché al di sotto della polvere e della noia del quotidiano, qualcosa brilla ancora, in tutti noi.

Coco Chanel

2021

100 x 81 cm

Olio su tela

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Charnelle

2019

80 x 60 cm

Olio su tela

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Modigliani

2019

100 x 80 cm

Olio su tela

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Frida

2018

100 x 80 cm

Olio su tela

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Giorgio Tardonato

Giorgio Tardonato nasce a Erba (CO), Italia, nel 1951. Dopo aver conseguito la laurea in lettere moderne, ha lavorato come docente, fotografo, artista e divulgatore di astronomia. 

La bellezza del cosmo assume un particolare valore se è esaltata dall’opera di chi sa cogliere l’unione fra la forma artistica, creata dalla mano dell’uomo, e un’altra forma d’arte, dal sapore arcano, fatta di galassie, remoti sistemi solari, che trae la sua origine dal cosmo stesso La meraviglia creata dalla natura giunge si intreccia i a quell’infinito stupore che alimenta gli interrogativi dell’essere umano fin dalle sue origini, spingendolo alla ricerca di quel mistero che ha originato tutto ciò che ci circonda, e si coniuga alla forza creativa, alla sete di scoprire sempre nuove prospettive, che è propria dell’essere umano e dà origine ad un’eccezionale forma d’arte di cui Tardonato è eccellente demiurgo. La corrente della Space Art, che ha per tema la rappresentazione dello spazio e si basa su un legame antico ed essenziale quello della scienza con l’arte, trova nell’opera dell’artista e astrofilo Giorgio Tardonato una delle sue più felici espressioni. Attraverso quella genuina intuizione che fa convivere l’artista con l’appassionato uomo di scienza, Tardonato ci accompagna in un viaggio alla scoperta dell’universo, generatosi obbedendo a leggi misteriose che l’uomo vuole scoprire da sempre, ma che forse non basta piegare ai dettami della propria razionalità per comprendere a fondo; perché la bellezza e la perfezione che le regolano sono qualcosa di troppo complesso per tradursi in semplici equazione matematiche.

Il percorso costruito da Tardonato attorno alla Space Art lo ha portato negli anni a conseguire una carriera artistica coerente e culturalmente ineccepibile, grazie alla padronanza e disinvoltura con cui si serve di svariate tecniche per meglio dedicarsi al significato delle proprie opere; quel significato ricco di visioni cosmiche e di suggestioni legate al mito della creazione. L’esperienza che si prova di fronte alle sue tele è quella di una lezione di astronomia dettagliata nei minimi particolari mista alla meraviglia per le bellezze celate nel profondo dello Spazio.

Certamente unico nel suo genere, ci presenta una visione astronomica icastica e fedele: nulla di irreale o fantasioso ma, proprio per questo, dal fascino irresistibile!

Juno for Jupiter

2018

50 x 50 cm

Tela di lino, colore acrilico, alluminio, acciaio, rame e resina lucida

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Jaremi Picz

“Nella creazione della mia serie di Epicentrum, la prima ipotesi era il desiderio di mostrare il momento della distruzione della materia e, allo stesso tempo, il passaggio da una forma all’altra. Un’esplosione di supernova e un’enorme energia rilasciata durante questo processo. Si potrebbe dire guardando questo fenomeno da una grande distanza: la bella morte di una stella. Estremamente spettacolare e impressionante. Quello che voglio mostrare è un fenomeno non solo fisico, ma metafisico.

Il risultato è rappresentare il fenomeno della continuità e dell’indissolubilità di due elementi; spirito e materia”.          

Jaremi Picz

L’eco del suprematismo di Kazimir Malevic sembra aleggiare in tutta la serie Epicentrum di Jaremi Picz e ci ricorda che l’arte non deve più sottostare a nulla se non a se stessa e alla propria energia. Ed è proprio grazie all’energia scaturita da Epicentrum che l’arte di Picz investe tutto il nostro essere e innesca nel nostro spirito un mutamento che ha il sapore di una metempsicosi dettata dalla casualità degli schizzi di colore che si dispongono sulla tela, fortuitamente, eppure seguendo una legge segreta, come il caso che governa le nostre esistenze.

Epicentrum D-21 Qantinum N.51

2021

80 x 80 cm

Acrilico su tela

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Epicentrum

2017

80 x 80 cm

Acrilico su tela

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Qantinum B-2

2017

100 x 100 cm

Acrilico su tela

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Qantinum Red

2017

100 x 100 cm

Acrilico su tela

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José Molina

L’arte come atto doveroso di riflessione sul mondo che ci circonda. L’arte come azione, profonda, interiore, che obbliga alla riflessione, al confronto.
L’arte come viaggio, attraverso gli intricati percorsi dell’animo umano.
Chi se non l’artista potrebbe, in tempi complessi come quelli in cui siamo, volenti o nolenti, immersi, assumersi un ruolo fondamentale all’interno della nostra contemporaneità?

Una figura, quella dell’artista, che si spoglia da tutti i preconcetti e le sovrastrutture del secolo scorso e, in nome dell’Arte e della creatività, vuole oggi modificare e partecipare agli aspetti di ecosostenibilità e di coesione umana contribuendo e mettendo in tal modo in atto un dialogo fondamentale, che ricostruisca dalle fondamenta il dialogo fra essere umano e mondo.

Inizia un nuovo viaggio, alla riscoperta delle origini del nostro pensiero e delle nostre suggestioni: ricostruiamo le fondamenta del nostro essere attraverso l’arte e il suo costante dialogo interculturale con il mondo. Ad accompagnarci è l’opera di José Molina.

José Molina mostra un eccezionale e poliedrico talento. La sua è un’arte metamorfica, instancabile, in costante connessione con il mondo. È l’incontro con uno sguardo che va oltre: che scuote mostrando le storture, le fratture materiali e immateriali di questo mondo in cui viviamo. Apre alla riflessione, fino alla revisione delle fondamenta, spesso incerte, sulle quali si basa la nostra percezione del mondo.

La Madre Morta

2017

59 x 50 cm (senza cornice)

90 x 90,5 cm (con cornice)

Matita grassa su carta

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Ci sono uomini fatti di fiori

2017

94 x 74,5 cm (con cornice)

Olio su tavola

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Gods in the womb

2020

109 x 111 cm

Tecnica mista su carta

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Lungolago di Gravedona

2021

102 x 226 cm

Olio su tavola

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Hermanos

2019

50 x 52,5 x 30 cm

Resina e legno acidificati

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Maja Müller

La Bellezza come riscatto dal male, unica valida forma di redenzione dal dolore di una condizione che sembra opprimerci più di quanto vorremmo ammetterlo.

La Bellezza come riflessione, esaltazione, impreziosirsi delle piccole cose che costellano la nostra quotidianità: memoria dorata di istanti di bellezza sospesi nei giorni che trascorrono a volte troppo lenti, a volte troppo veloci. Si tratta di un bello che non ha solo un fondamento estetico ma che è anche profondamente etico, spirituale. Non uno stereotipo ma, piuttosto una rivelazione.

È così che vorremmo che la pittura conservasse la bellezza: come una rete dorata sospesa fra l’incanto e il ricordo di emozioni, una memoria costante di quanto potrebbe essere (e dovrebbe) essere “bello” il mondo se solo riuscissimo a dialogare fra anime, lasciando perdere tutto il resto.

I dipinti di Maja Müller si propongono come guida irrinunciabile, frammenti di quegli istanti dorati, di quelle memorie alle quali non potremmo più rinunciare.
Tracce dorate, immemori e incuranti del tempo, si rivelano sulla tela e si aprono una breccia in profondità, nel nostro Io.

Origin of Life

2022

80 x 70 cm

Tecnica mista con pigmenti naturali e acrilico

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Flower of Tenderness

2022

80 x 70 cm

Tecnica mista con pigmenti naturali e acrilico

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Touch of Mystery

2022

60 x 70 cm

Tecnica mista con pigmenti naturali e acrilico

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Underwater Fern

2022

70 x 80 cm

Tecnica mista con pigmenti naturali e acrilico

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Mary Lipian

Mary Lipian è un’artista californiana. Laureata alla Yale University e successivamente in psicologia alla Los Angeles University e alla Boston University. Questo portfolio di studi psicologici è chiave di volta del suo lavoro artistico. Mary ha studiato arte al San Francisco Art Institute; ed ha esposto con successo in europa e negli USA.

Le opere di Mary Lipian catturano uno stile che arriva diretto all’interiorità: le sfumature di colore non sono altro che emanazione dei nostri stati d’animo.

La sua arte diventa terapeutica, vibra all’unisono con la nostra interiorità sino a diventare parte di noi stessi.

La serie Flight è uno scorcio sull’immaginazione dell’artista e sulle nostre emozioni di fronte a un’opera d’arte.

La serie Catwalk trae diretta ispirazione dal mondo della moda e nasce dal periodo di collaborazione con importanti stilisti durante la Milano Fashion Week.

Mama Mia

2010

80 x 80 cm

Olio su tela

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City Pulses

2018

50 x 50 cm

Olio su tela

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Shadow

2014

90 x 75 cm

Olio su tela

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Salt Island

2020

120 x 90 cm

Olio su tela

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Rossella Rossi

“Se vi è magia essa è contenuta nell’acqua. E’ solcando vie d’acqua che vediamo la terra fiorire ancora”

Come l’acqua scorre e, nei suoi corsi e ricorsi, muta forma e resta, ma solo in apparenza, sempre uguale in se stessa, così anche l’ispirazione di un artista scorre libera, sfidando le barriere per poi finalmente collimare in una nuova opera e regalare a tutti noi un nuovo messaggio, una nuova occasione per volgere alla nostra interiorità il messaggio artistico che giunge a noi spettatori.

Le opere di Rossella Rossi sono immediatamente riconoscibili per il forte legame all’elemento acquatico quale ispirazione e leitmotiv delle sue creazioni artistiche.

Il Lago di Como con le sue Vie d’Acqua è dove la storia e la cultura si fondono indissolubilmente ed è sicuramente il perfetto luogo per ospitare la nuova mostra di Rossella Rossi. 

Acqua significa origine, luogo in cui la vita ha inizio e in cui ritrovare sé stessi ed è allo stesso modo, che seguendo le vie d’acqua dell’arte di Rossella, che possiamo entrare in dialogo con il nostro Ego più profondo.

Topographie du vide

2020

50 x 70 cm

Olio su tela

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Noces I

2018

150 x 200 cm

Olio su tela

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La naissence du bleu

2021

100 x 120 cm

Olio su tela

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Il Bagno delle Dee

2020

100 x 280 cm

Olio su tela

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Tara

Artista, pittrice con sede a Como, Giovanna Mancini, in arte Tara, ha iniziato la sua carriera con autoritratti e ritratti di persone familiari, utilizzando diversi materiali come acrilico, olio, vernici spray e pastelli dapprima, per poi entrare in un viaggio più “sperimentale”, cercando di mostrare altri tipi di figure ed espressioni ampliando la varietà degli elementi usati, come ferro, rame con le proprie ossidazioni e collage di vario tipo tra l’ astratto e il figurativo.
Il suo stile è caratterizzato da graffi, segni di spatola e pennellate che, scavando, lasciano segni evidenti e cicatrici del tempo, come lei stessa li definisce.
Tara traduce su tela le sue emozioni e inquietudini, dando vita a immagini intense e di immediato impatto che abitano lo spazio silenzioso tra narrazione concettuale e narrazione tecnica.

The Handmaiden

2021

125 x 100 cm

Tecnica mista su pannello di legno

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Soul

2020

100 x 70 cm

Olio, carta, ferro liquido e ossidazione (ruggine) su tela

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